Anais Simpósio Reflexões Cênicas Contemporâneas - LUME e PPG Artes da Cena
Anais do Simpósio Reflexões Cênicas Contemporâneas vinculado à Jornada Internacional Atuação e Presença organizado pelo LUME - Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais - UNICAMP e pelo PPG Artes da Cena - IA - UNICAMP. ISSN <a style="font-family: 'Lucida Sans Unicode', 'Lucida Grande', Tahoma, Verdana, sans-serif; font-size: 14px; font-style: normal; font-variant-caps: normal; font-weight: normal; letter-spacing: normal; orphans: auto; text-align: start; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: auto; word-spacing: 0px; -webkit-text-size-adjust: auto; -webkit-text-stroke-width: 0px;" href="https://portal.issn.org/resource/ISSN-L/2525-6572" rel="noreferrer">2525-6572
A IMAGEM/FOTOGRAFIA NO PROCESSO CRIATIVO DO ESPETÁCULO M(EU) INFINITO
Este artigo é um relato e reflexão sobre a presença da fotografia no processo de montagem do espetáculo M(eu) Infinito, e como a sua utilização colaborou no desenvolvimento corporal e cênico dos atores e atrizes. Essa experiência com a imagem, surge na prática laboratorial com a mimesis corpórea, método criado por Luís Otavio Burnier e aprofundado pelo Lume – Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da UNICAMP – e a partitura corporal derivado dos conceitos do francês, François Delsarte. A fotografia foi uma valiosa referência criativa para os performers, desse modo, há uma breve contextualização histórica da imagem e ao final, uma reflexão em como os processos criativos podem se apropriar desse elemento.
Direitos autorais (c) 2023 Anais Simpósio Reflexões Cênicas Contemporâneas - LUME e PPG Artes da Cena
CLUBE DE LEITURA O JARDIM, LER, PENSAR E IMAGINAR
O projeto de extensão ação contínua Clube de leitura o Jardim foi concebido em 2021, como um projeto sazonal, uma vez que os ciclos se realizam na nomeação de uma planta, onde focamos em nossas investigações as mais distintas formas de expressões narrativas encontradas em diferentes culturas e períodos da história, como um espaço democrático de formação de leitores e de aprofundamento de análise textual. A ideia da manutenção de um clube de leitura de forma interrupta fundamenta-se em Konstantin Stanislávski (1863-1938), que elaborou os elementos do “sistema” para o trabalho do ator. Entre eles, elencamos a imaginação, por considerá-la essencial para o trabalho do artista cênico. O ator/atriz no processo de construção pelo étude precisa da imaginação para criar e gerar vida para a cena. A leitura permite ativar imagens que acionam os sentidos: visão, audição, paladar, olfato e tato. Esses incentivam a captação de imagens, sons, sabores, odores e toques, numa percepção total do ambiente para a criação da atmosfera cênica. As discussões geradas nos encontros permitem associações e as mais variadas impressões, observadas pelo ponto de vista individual e coletivo. No momento dos ensaios, os artistas cênicos potencializam a imaginação por meio do corpo/mente, ou seja, o psicofísico, para a geração de diversos mundos, entre tantas histórias revisitadas na
GEOGRAFIA E TEATRO: A REPRESENTAÇÃO DO TERRITÓRIO DA PERIFERIA ATRAVÉS DA LINGUAGEM ARTÍSTICA COMO UMA ESTRATÉGIA DIDÁTICA PARA PROBLEMATIZAR OS PROCESSOS DE SEGREGAÇÃO SOCIOESPACIAL NO ESPAÇO ESCOLAR
O artigo discute a contribuição do teatro para a prática da educação geográfica na perspectiva da segregação socioespacial em um território escolar. O texto resulta dos resultados parciais de uma pesquisa de pós-graduação em Ensino de Geografia, em nível de doutorado, onde objetiva-se analisar os resultados da pré-produção, produção e pós produção do espetáculo de Teatro “Prometeu Negro Acorrentado” na escola de ensino médio de período integral (PEI) “Marciano Toledo de Piza”, no Município de Rio Claro-SP. A metodologia da pesquisa é qualitativa de caráter exploratório. Também foi realizada pesquisa etnográfica e entrevistas com os educadores, gestores e alunos em todas as instâncias da atividade que teve duração de 6 meses, sendo realizada no primeiro semestre do ano de 2022. Ao discutir temas geográficos por meio de sua ludicidade, os resultados da pesquisa revelam que a presença pedagógica de um espetáculo teatral que tenha como tema central as relações sociais contraditórias dos territórios de periferia, podem fomentar debates e reflexões potentes para os alunos, educadores e gestores, como também podem ampliar e potencializar o desenvolvimento do raciocínio e pensamento espacial.
DISPOSITIVOS CÊNICOS DE SUBVERSÃO NA PALHAÇARIA FEMINISTA
O presente texto é fruto de uma pesquisa que investiga os meios dramatúrgicos com os quais as mulheres palhaças questionam inequidades de gênero. Pretende-se, nesta escrita, apontar possíveis dispositivos cênicos que subvertem tais inequidades. A principal hipótese é que algumas palhaçarias exercidas por mulheres sejam instrumento de subversão, porque elas auxiliariam na quebra de expectativas e padrões de comportamentos pré-estabelecidos e esperados pela sociedade por parte das mulheres. Como a palhaçaria exercida por mulheres poderia se configurar num dispositivo de subversão? Como a condição e realidade das mulheres influenciam e incentivam a criação de palhaçarias com teor feminista? Quais os artifícios dramatúrgicos, estéticos e poéticos que as palhaças feministas usam? As principais referências do texto são a psicóloga e pesquisadora de gênero Valeska Zanello, e algumas palhaças brasileiras, sejam em suas reflexões ou em suas criações.
COEXISTÊNCIA, UMA PERFORMANCE INSTALAÇÃO
O projeto Coexistência: uma performance instalação propõe a criação e produção de uma série de registros em artigo, fotolivro e minidoc sobre a obra híbrida denominada Coexistência, evento artístico internacional que mistura performance, teatro, música, artes visuais e mídias digitais. Coexistência, uma coprodução entre o grupo de pesquisa Gesta (Brasil) e o grupo Teatret Om (Dinamarca), teve sua estreia em agosto de 2022 na cidade de Ringkøbing-Skjern, Dinamarca, dentro das atividades do Festival Internacional UR-NAT Performance Art. Com obras artísticas que dialogam na interação entre o humano e outras formas de vida, o principal referencial teórico foi Emanuelle Coccia, Ailton Krenak e Jerzy Grotowski. Estima-se que os resultados em forma de artigo, fotolivro e minidoc, colaborem para a sensibilização às questões ambientais e divulguem, dentro e fora do país, o conhecimento, as experiências e os modos de fazer arte desenvolvidos no curso Graduação em Teatro: Licenciatura, da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul.
JEJUADOR ABERRANTE DA ARTE: A IMPORTÂNCIA DE CONQUISTAR A REALIDADE QUE É NOSSA
No conto o artista da fome, Kafka fala do artista enquanto jejuador, e diante de toda a vigia é o único que poderia ser espectador totalmente satisfeito do próprio jejum. Portanto, o artista fica durante quarenta dias sem comer e sua privação se transfigura em glória de continuar se privando, a fim de com paciência superar a si mesmo. A multidão não mais se interessa pelo artista e no fim de sua vida ninguém mais contava seu desempenho ao longo dos dias. O conto se assemelha aos movimentos aberrantes que socialmente faz morrer o que não é necessário para a potência da vida, sendo assim, ser artista é ser jejuador aberrante e estar na linha tênue, algo que para Deleuze é a vida que implica a morte de algo dentro de cada pessoa para que a vida seja liberada, é saber morrer em vida. Uma vida que contagia a maneira de pensar em perspectiva animada, de modo que a presença seja contágio Portanto, não basta apenas resistir por meio de linhas de fuga, mas como ser capaz de pensar, imaginar, sonhar e criar? A arte na maneira de ser não se apresenta de maneira oposta do mais cotidiano, mas sim pensar em pleroma, cuja plenitude do mundo se enriquece a cada novo gesto. Dessa maneira, torna-se mais real a existência da qual temos direito de legitimar nossa presença, sendo assim, a experiência artística tem uma intensa relação social. O artista da fome representa a animalidade e a corporeidade a qual nos conectamos com a arte, sendo por meio do divertimento, do riso, e do prazer carnal. Nenhuma pretensão de divinação ou criação, mas a pura presença com a qual o jejuador pacientemente se coloca sob o olhar da multidão, sem legitimidade social por meio do sublime, de acordo com Kafka, resta a confirmação de sua existência e a conquista da realidade que lhe falta. Fazendo do corpo o palco para a ocupação da arte de existir.
A CENA NORTISTA E OS NÚCLEOS FORMATIVOS DO PROJETO IURUPARI – GRUPO DE TEATRO DA UNIVERSIDADE FEDERAL DO OESTE DO PARÁ (UFOPA)
Esse trabalho aborda conexões, contradições e reflexões sobre a cena nortista brasileira a partir das experiências dos núcleos formativos de iniciação teatral do Projeto Iurupari – Grupo de Teatro, projeto de extensão e cultura desenvolvido desde 2015 na Universidade Federal do Oeste do Pará (Ufopa) Campus de Santarém/PA. O Iurupari promove a inserção da universidade no processo de desenvolvimento cultural dos participantes por meio de experiências com a arte teatral. E é através dos núcleos formativos de teatro: núcleo de crianças e adolescentes (10 a 15 anos) e núcleo de jovens e adultos (a partir de 15 anos) que a universidade convida a comunidade a adentrar os espaços acadêmicos. Devido à ausência do curso superior de artes cênicas e/ou teatro na universidade, investigo de que forma o projeto Iurupari contribui para as artes da cena na região do Oeste do Pará e questiono se a entrada de diferentes pessoas da periferia de Santarém/PA nos espaços da universidade incentiva uma reflexão social sobre o lugar que essas pessoas ocupam na sociedade.
Esse artigo analisa três ações de caminhada em silêncio realizadas em grupo, em diferentes locais, na cidade do Rio de Janeiro. Nas ações nosso questionamento é a aproximação entre o ato de caminhar como ação artística e ação meditativa. Nos interessa analisar a caminhada como um elemento para a atenção plena, do espaço, corpo e mente. Nosso objetivo é investigar a secularização de práticas espirituais no diálogo entre prática artística e estética.
A prática pedagógica na arte do clown tem sido aplicada ao redor do mundo e tem crescido imensamente nos últimos anos. Ensinar a ser palhaço/palhaça é um processo que direciona o aprendiz para uma autodescoberta de si. Decidi colocar duas práticas pedagógicas em diálogo no terreno do clown: Ricardo Puccetti do LUME Teatro e André Casaca do Teatro C’art, ambos artistas e mestres na arte clownesca. A busca pelo estado de clown e a descoberta dessa criatura do corpo cômico serão pensadas a partir de práticas realizadas em Portugal e Itália, respectivamente, Puccetti e Casaca. Ao investigar o estado do corpo cômico com os dois artistas percorre-se o caminho do corpo relacional e o campo das afecções: os vetores da receptividade. A comicidade sustenta-se fortemente na atmosfera da emergência e da vulnerabilidade ao convocar o corpo-criança a um engajamento do aqui e agora. O lugar do mestre também será um espaço de engajamento. Casaca e Puccetti ao atravessarem as experiências do corpo do aprendiz – convocando o terreno da emergência e vulnerabilidade – mergulham em estado de cumplicidade.
A TRAJETÓRIA DA CIA. DO CAMINHO VELHO ENQUANTO RESISTÊNCIA ARTÍSTICA E POLÍTICA NA PERIFERIA DE GUARULHOS
Este estudo se debruça sobre as práticas artísticas promovidas pela Cia. do Caminho Velho no bairro dos Pimentas, periferia de Guarulhos. A continuidade do trabalho do grupo, seus esforços em promover atividades artísticas na periferia da cidade e a criação de um espaço de convivência entre a comunidade acadêmica e não acadêmica por meio dos cursos de Iniciação Teatral gratuitos são alguns dos pontos sobre os quais esse estudo versará. Tal experiência será abordada partindo da trajetória da autora que em 2015 se torna aluna e, em seguida, professora desses cursos. O trabalho investiga a história da Cia. do Caminho Velho enquanto resistência artística e política na cidade de Guarulhos.
Este é um artigo resumo, que foi dividido em cinco travessias, que tem como espaço de pesquisa o processo de criação do ritual poético Da Rosa salta Gafanhoto, assumindo-a como poética e metodologia de minha pesquisa de doutoramento. Que transita pela dimensão feminina da Samurai, Gueixa e Criança Luz inerente à pesquisadora e suas relações com as poéticas corpóreas de cada uma delas. A pesquisa declara ser o gafanhoto que salta da rosa e assume como corpo da pesquisa esse salto que ele dá e se metamorfoseia nas três figuras femininas que aparecem nessa travessia, as quais são fantasmas que orbitam à pesquisadora, ou fendas por onde o processo de criação se espalha. A poética e metodologia usada na pesquisa, perpassa no processo de perceber a metamorfose da palha que ao secar e começar a morrer, se torna flexível, se enrola em flor para depois saltar em forma de gafanhoto, essa foi a metodologia utilizada. Alguma coisa que se desenrola, mas, primeiro ela seca e vai em direção à morte, seria uma metodologia da morte? Do perecimento? Uma poética do perecimento, um método poético de trabalho, mas, o que é isso? Um método de flexibilidade poética, onde contém o treinamento Kata pessoal, os três mascaramentos. Apresento como suporte teórico o conceito de pesquisa performativa que abraça essas proposições para os estudos práticos realizados e para a construção da escrita que emana das práticas da sala de trabalho. A pesquisa performativa aqui é entendida conforme os preceitos de Brad Haseman (2015). O condutor da pesquisa é essa metodologia poética flexível – Da Rosa salta gafanhoto -, onde a artista-marcial apresenta o conceito de autocriação, por assegurar que enquanto gera a obra vivencia muitos devaneios, indagações lugares vazios da artista marcial e afinamentos de coerência diante do mundo que a cerca e a si mesma, passando a autocriar-se, sendo assim um processo de criação da obra e autocriação de si diante das diferenças de si.
EM BUSCA DAS “VOZES DA VOZ” EM STELLA DO PATROCÍNIO
O presente trabalho foca nos registros escritos e em áudio da performance Falatório criado por Stella do Patrocínio em conjunto com as entrevistadoras Carla Guagliardi e Mônica de Souza, entre 1989 e 1991 na Colônia Juliano Moreira (RJ). Criação performática que encruzilha as noções de voz e texto, palavra falada e escrita, vocalidade (CAVARERO) e oralidade (ZUMTHOR). Quando postumamente espetáculos (re)performam o texto/fala de Stela, é intensificada a dialética entre tais noções. Temos por objetivo deslocar o olhar comum na tradição europeia para outras tradições literárias e dramáticas que também compõem o cenário cultural brasileiro. Uma possibilidade de enriquecer a discussão sem priorizar apenas a raiz cultural ocidental – e assim não atualizar as estruturas racistas que emudecem os valores culturais e simbólicos africanos, indígenas e orientais – é a discussão do conceito de ‘encruzilhada’, que sustenta a tensão dialética entre diferentes cosmovisões. Trazemos como referência o conceito de ‘oralitura’ elaborado pela Profª Drª Leda Maria Martins em conjunto com ‘escrevivência’, criado por Conceição Evaristo para compreender o Falatório inscrito na literatura e performance brasileira de matriz afrodescendente.
CABARÉ DA RRRRRAÇA: APONTAMENTOS SOBRE O USO DO RECURSO DA RISIBILIDADE NA ABORDAGEM DO RACISMO/ANTIRRACISMO SOB UMA PERSPECTIVA DO ENCRUZILHAMENTO
A reflexão aqui desencadeada tem como eixo norteador o evento cênico Cabaré da Rrrrraça, do Bando de Teatro Olodum - Salvador Bahia, concebido como uma Poética do encruzilhamento – fruto do diálogo das concepções de encruzilhada de Leda Maria Martins e Luiz Rufino – que se materializa no espaço-tempo-corpo-riso-corporeidade negro brasileira. Riso decolonial: humor via denúncia e militância política materializando o enfrentamento à colonialidade do corpo, ser, saber introjetada à corporeidade negra pelas representações ideológicas colonizadoras em seus atravessamentos e camadas, e, que tais corpos negros incorporam em cena numa atuação performática/ritualística. Assim sendo, o riso cumpre a função estratégica de provocar fissuras para outras formas de inscrição no mundo.
VIADOPLANTA: UMA PROPOSIÇÃO PERFORMATIVA E EPISTEMOLÓGICA NA REVISÃO DO CONCEITO DE CULTURA
O presente artigo busca tecer revisões acerca do conceito de cultura, sobretudo levando em consideração os aspectos plurais e dinâmicos desse agenciamento político. Por meio de autores como Roque de Barros Laraia (2001) e Teixeira Coelho (2001), desenvolvem-se perspectivas que alicerçam concepções mais críticas e contextuais da cultura. A realização disso se concerne à proposição do conceito de viadoplanta como um agente performativo e epistemológico dissidente, que visa promover auxílio ao exercício analítico de compreensão cultural. Para tanto, leva-se em consideração a redistribuição de discursividades e a mobilização de novos imaginários culturais, instâncias de suma importância na regência de elaborações viadovegetais perscrutando o que mais podemos compreender e fabular da cultura, ou, dito de outro modo, de uma cultura fabular, a depender de quais negociações forjamos.
A Experiência nº3 e o desvelamento da colonialidade na performance de Flávio de Carvalho
Este artigo investiga Experiência nº3, performance realizada pelo multiartista brasileiro Flávio de Carvalho, no ano de 1956, em que desfilou pelas ruas da cidade de São Paulo com o seu Traje de Verão ou New Look Tropical. Observo, sob uma perspectiva do campo ampliado (KRAUSS, 1984), os registros de escrita e imagens da referida ação para identificar aspectos que desvelam os efeitos da colonialidade (QUIJANO, 1992) por meio do vestir. Desta forma, compreendo que a criação do traje e a escolha do espaço público da rua como o palco, configuram-se em uma ação micropolítica que promove reflexões sobre as influências culturais nos padrões de vestimenta brasileira. Por fim, ressalto que o propósito não é buscar um enquadramento de uma estética decolonial para o artista, mas compreender de que modo os acontecimentos artísticos de outrora podem reverberar na atualidade se pensadas a partir da decolonialidade enquanto possibilidade epistemológica. Palavras-chave: Colonialidade, Experiência nº3, Flávio de Carvalho, Performance.
Provocações afro referenciadas na Dança: Performando em cortejo a corporalidade de Pomba gira no espaço acadêmico
O Coletivo Metá Metá de Dança, criado para refletir, pesquisar e dançar temáticas afro alagoana a partir de jovens pesquisadores das artes cênicas, com ênfase na dança e no teatro, propõe compartilhar um relato de experiência do experimento de dança intitulado de Corpo Girá – Girá, estreado em novembro de 2022 no Congresso acadêmico de Dança da Ufal. O objetivo do espetáculo foi de realizar um cortejo no Campus A. Simões (UFAL) a fim de refletir e evidenciar as práticas cênicas a partir da articulação e criação de jovens artistas que são de terreiros de Candomblé e Umbanda. O cortejo provoca a reflexão da importância de compreender a figura da pomba gira, desmistificando, desta forma, os diversos equívocos e preconceitos que recai sobre elas na contemporaneidade. Essa pesquisa é constituída metodologicamente de levantamento bibliográfico, autoetnografia, discussões e reflexões teóricas e práticas sobre a dança negra, o corpo negro e as práticas de danças realizadas por pessoas pretas que compõe o fazer afrocentrado. PALAVRAS-CHAVE Autoetnografia, Corpo Preto, Pomba gira, Xangô Alagoano.
Butô e a Poética da Natureza de Kazuo Ohno
Este estudo discute a importância de resgatar a sensibilização para a natureza em um mundo onde ela se encontra cada vez mais silenciada. Propondo diálogos entre a teoria da ecocrítica e a dança butô de Kazuo Ohno, o presente artigo explora as possibilidades da poética do corpo e seus limites em uma prática de conexão com a natureza onde há uma transformação do corpo e da mente onde cria-se a disponibilidade para vivenciar uma nova perspectiva por meio do butô.
O autor busca refletir sobre a presença cênica, elemento por vezes abordado pela teoria teatral, e suas recentes ampliações conceituais. Localiza tal conceito na prática circense e em especial na prática dos palhaços fazendo uma aproximação com o conceito popularizado entres artistas da palhaçaria chamado “estado de palhaço”
Este artigo investiga e reflete sobre a linguagem de movimento Gaga, desenvolvida pelo coreógrafo israelense Ohad Naharin, no início dos anos 90 dentro da Batsheva Dance Company. Artista de intervenções, choques e acontecimentos, Naharin propõe na sua prática o contato com aspectos sensoriais e expressivos onde as regras são diferentes das formulações predominantes nas pedagogias do movimento contemporâneo, principalmente por estruturarem-se a partir de provocações e sensações físicas. Utilizamos a observação e diários de experiência em workshops, participação em aulas regulares, análise de materiais bibliográficos, metodológicos, vídeos, entrevistas e espetáculos, com a pretensão de destacar elementos sensoriais e expressivos que atribuem qualidades singulares ao método.
DO CIBERESPAÇO À CENA:A NETNOGRAFIA ENQUANTO PRÁTICA CIBERQUILOMBISTA PARA A CRIAÇÃO DE PERFORMANCES
O texto busca expor o percurso criativo da performance Malungas, desenvolvido no Laboratório de Criação Artista (Lacri), realizado pela Fundação Cultural da Bahia e financiado pela Secretaria de Cultura, proposta na qual busco pensar a netnografia enquanto caminho "etnográfico" para aquilombar narrativas, promovendo encontros e buscas na web para criar e escrever coletivamente. Escritas atualizadas no ambiente físico as quais têm a escrevivência enquanto fio condutor da ação performativa.
REVISANDO A IDEIA DE CORO: RICHARD WAGNER E A MEDIAÇÃO HISTÓRICO-MUSICAL DO DRAMA
O compositor e polímata alemão Richard Wagner (1813-1883) elaborou conjuntamente novas experiências de dramaturgia musical e teorias da arte, partido, entre outras referências, de uma recepção das formas da dramaturgia grega antiga. Um dos temas dessa recepção é o da ideia de coro. Em Wagner há um deslocamento da ideia de coro como um grupo performativo para a a orquestra. Nesta comunicação, textos e momentos desse deslocamento são apresentados e comentados. Com isso, objetiva subsidiar novas pesquisas sobre coralidade, enfatizando sua conceptualização, questões e modalidades de realização.
Essa Lecture Performance conta sobre o processo criativo de uma das performers do espetáculo DAMAS sobre as suas personagens: Carlota Joaquina e Imperatriz Leopoldina. Comentaremos também sobre o resgate de memória histórica que envolve a pesquisa e a experiÊncia da dança como marco fundamental para a criação de novas vivências adquiridas pelo corpo e socialemente.
RESUMO A consciência conservadora e neoliberal que vem sendo fabricada no Brasil por setores burgueses, auxilia na manutenção de determinadas práticas culturais, essas, baseadas na opressão a determinados corpos que se contrapõem às lógicas hegemônicas. No campo das artes cênicas, em que a poética acontece pelo próprio corpo, o artista que questiona o estado político das coisas por meio de suas obras, acaba sendo alvo de violências a fim de bloquear sua liberdade. Voltando no tempo e observando o final dos anos sessenta - período que entrou em vigor o AI-5 (ato institucional número cinco), durante a ditadura militar-, em que reprimir os subversivos ao regime era política de Estado, diversos artistas questionaram o sistema por meio de seus corpos, confrontando com uma estrutura que não permitia ambientes de discussões sobre arte e sociedade, pelo contrário; só havia espaço para submissão ideológica. Percebendo esse período em que se legitimava a censura enquanto aparelho de condução e, analisando os últimos anos de Brasil - que não é mais uma ditadura, mas, sim, uma frágil democracia -, compreende-se que, com a ascendência de grupos conservadores de direita, artistas que realizam suas performances baseadas em críticas sociais, estão cada vez mais vulneráveis. Nesse contexto, em que a liberdade de expressão vem sendo golpeada, pretende-se discutir nesse estudo, a partir de reflexões entre performances realizadas nos anos de chumbo e nos últimos tempos, como as táticas de censura vêm se atualizando, tendo em vista que o Brasil é, desde sempre, dominados por mãos que usam da repressão como métodos de controle. Assim, pensar censura às artes se torna urgente numa sociedade em que o ódio e a criminalização aos artistas avançam a passos largos, desmantelando as estruturas democráticas e cerceando a comunicação pelas poéticas do corpo. PALAVRAS-CHAVE Artes do Corpo, Censura, Política
A POÉTICA DO TEATRO VISUAL ESTUDADA PELO TEATRO DIDÁTICO DA UNESP:
O Teatro Didático é um projeto de extensão da Universidade Estadual Paulista “Júlio de Mesquita Filho” (UNESP) surgido em 1993. Em 2008, o professor doutor Wagner Cintra assumiu a coordenação deste e o grupo passou a investigar a linguagem do Teatro Visual sendo reconhecido como o único no Brasil a ter como principal mote de seu trabalho tal linguagem. A partir das suas atividades, foram produzidos os espetáculos “O Rio”, “Paulicéia Desvairada”, “Judas: Piedade para os ratos” e organizadas diversas oficinas com o intuito de expandir a poética do Teatro Visual. Este tipo de teatro procura se afastar da ideia de representação, que é bastante comum no drama. Etimologicamente, representação é apresentar algo que está ausente. A personagem no drama não possui uma encarnação própria; ela depende de uma atriz ou um ator, que possui toda uma corporeidade, para que possa existir para além das letras no papel. A representação consiste, então, em uma capacidade humana, dotada de raciocínio, para que se construa a ilusão de ver algo distinto. No Teatro Visual, o objeto e a matéria são postos em cena em toda a sua integridade. Não há o intuito de se fazer uma representação, mas sim apresentá-los pela sua própria imagem e forma. Assim, os objetos são manipulados com o intuito de formar contrastes e composições como uma tela de pintura em movimento. Não há uma história estabelecida de antemão que está sendo contada aos espectadores. Os próprios espectadores vão criando sentido a partir das imagens que vão sendo formadas. Estabelece-se, portanto, um efeito contemplativo em que o público é convidado a despertar o seu próprio arcabouço teórico para interpretar o que, de fato, está ocorrendo (sem ilusões cênicas) diante de seus olhos. Algo que pode ser relacionado a arte da performance, já que também não há uma representação, e sim uma experiência real, concreta. O presente trabalho pretende explorar as conexões entre essas duas artes e discutir o potencial artístico do Teatro Visual. PALAVRAS-CHAVE Teatro Didático; Teatro Visual; Performance
O artigo consiste na reflexão sobre o processo de desenvolvimento, criação e apresentação da performance Arquivo Vivo, a partir da utilização de documentos referentes a desaparecidos políticos, no período da ditadura militar no Brasil, de 1964 a 1985.
ATUAÇÃO CINEMATOGRÁFICA REFLEXÕES POLÍTICAS SOBRE O LUGAR DO ATOR - DA ATRIZ NO CINEMA ALAGOANO
O presente projeto intitulado Atuação cinematográfica: reflexões políticas sobre o lugar do/a ator/atriz no cinema alagoano[1] surge de inquietações levantadas por alunos/alunas do Curso de Teatro da Universidade Federal de Alagoas. Nesta pesquisa me propus a desenvolver uma reflexão acerca do papel do/a ator/atriz nas produções audiovisuais do estado sob a orientação da professora Drª Ana Flávia de Andrade Ferraz[2]. O tema é abrangente, nos leva a várias perspectivas de análise e aborda assuntos caros tanto ao teatro quanto ao cinema. Várias são as possibilidades de aproximação à temática, como por exemplo: as escolas de interpretação de atores/atrizes que observaram seus métodos migrarem do teatro ao cinema: a função da direção de atores/atrizes e suas diferentes abordagens, distanciamentos e aproximações entre o teatro e o cinema; o papel que ocupa o/a ator e atriz alagoanos na produção cinematográfica local, entre outras. As possibilidades não se esgotam fácil. O campo é vasto e ainda pouco explorado, como afirma Jacqueline Nacache quando diz “Os estudos cinematográficos estão ocupados pelos seus objetivos dominantes: a abordagem das obras, dos cineastas, das influências, dos estilos, a abordagem do cinema como linguagem, como narrativa, como arte visual e sonora. O ator parece ter pouco a ver com essa aventura (NACACHE, 2012, pág. 7). O que se percebe é uma escassa reflexão sobre o papel do ator na produção cinematográfica. Não obstante, a categoria tem sido palco de várias tensões e é, a partir desses questionamentos, que aprofundamos a presente pesquisa. Onde está o ator/atriz alagoano/a nas produções de cinema do estado? Que tensões se colocam entre a interpretação nos filmes de ficção e o lugar da autorrepresentação no cinema documentário? O que pautam as escolhas que levam à contratação do/a ator/atriz estreante em detrimento do/a ator/atriz experiente e profissional? Em que sentido um ator não profissional pode enriquecer um filme? Como premiar personagens de filmes documentários por suas atuações? São algumas questões por onde transitamos a pesquisa. Sendo a Universidade Federal de Alagoas o único espaço de educação formal do estado que atua no desenvolvimento e formação do/a ator/atriz, onde conta com dois espaços para esse fim: o curso de graduação em Teatro que, embora voltado à licenciatura, conta com disciplinas sobre interpretação e, principalmente, o curso técnico em Arte Dramática da Escola Técnica de Artes - ETA. Acreditamos que a pesquisa também subsidiará os cursos no intuito de gerar reflexões sobre os espaços que nossos/as atores e atrizes vêm ocupando na crescente cena audiovisual alagoana. [1] Trabalho de Iniciação Científica orientado pela professora Drª Ana Flávia de Andrade Ferraz, com financiamento da FAPEAL em 2020/2021 e renovado com financiamento do CNPQ com o título “Interpretação, autorrepresentação: tensões da atuação entre o documentário e a ficção no cinema alagoano”. [2] Doutora em Imagem e Som do Programa de Pós-Graduação em Comunicação/UnB, professora Adjunta II da Universidade Federal de Alagoas/Ufal//ICHCA e coordenadora do NEPED/UFAL/CNPq – Núcleo de Estudo e Pesquisa das Expressões Dramáticas.
Em 2022, no centenário da Semana de Arte Moderna e bicentenário da Independência do Brasil, o mundo nos perguntou o que faríamos, qual a importância de tais datas para a instituição chamada “País Brasil”. Se, de um lado, tínhamos que lidar com o constrangimento de um então governo que nos tirou o MinC e organizava a “tour do coração de Don Pedro II”, por outro lado, os artistas brasileiros propunham claramente um outro modelo de pensamento e ação. Morando em Portugal desde 2020, vi batalhas transatlânticas sendo travadas em resposta ao que ocorria no Brasil. Aqui, não só a colónia brasileira fez-se ouvir nas urnas, mas nos festivais de teatro e cinema, nas galerias de arte, na Copa do Mundo, nos maracatus e nos forrós que se espalham por terras estrangeiras. Como artista imigrante, reflito sobre o papel, que inesperadamente me coube, de porta-voz de questões não claras de uma nação em conflito consigo mesma e na escrita de sua história. Estando distante do espaço físico chamado Brasil, novas modalidades de pertencimento se fazem notar, mais sutis, porém que exigem destreza na ocupação dos espaços. Uma reflexão inicial a respeito do significado de exportar a cultura de um país que ainda não tem políticas duradouras de preservação e fomento à cultura. Sua história, mitologia e arte necessitam ser tratadas como questão de prioridade para que o Brasil possa existir de maneira plena, fundindo o Brasil Real e o Brasil Oficial.
A INVENTIVIDADE POR MEIO DE ÉTUDES E DA ATMOSFERA CÊNICA: O PLANEJAMENTO DOS ENSAIOS COMO BASE À EXPERIMENTAÇÃO
RESUMO O projeto do Pibic 2020-2021 (Programa Institucional de Bolsas de Iniciação Científica), "A Técnica de Inventividade por meio de Études e da Atmosfera Cênica: Na Revisitação da Literatura de Graciliano Ramos", orientado por Carla Medianeira Antonello, visou pesquisar a práxis em um exercício de retroalimentação, utilizando a metodologia sistematizada por Konstantin Stanislávski. O objetivo do meu estudo foi explanar sobre os resultados obtidos das experimentações no projeto com base nos ensaios, através do olhar do ator e da sua vivência durante todo o desenvolvimento do projeto. Os teóricos estudados nos apontaram caminhos sobre a atmosfera cênica, atmosfera criativa, trabalho do ator e études, auxiliando no processo criativo, criação da personagem e na encenação. O processo de estudo e criação foi desenvolvido em meio a pandemia com suas limitações e restrições, desta forma, o planejamento dos ensaios após todo o embasamento textual e a leitura da dramaturgia, foi crucial para ampliar o olhar dos pesquisadores nas experimentações. A dramaturgia foi escrita a partir de recortes das obras Caetés, Angústia, Insônia, com conto homônimo, e Infância, com o conto Um Cinturão de Graciliano Ramos, percebendo o desafio de trazer personagens importantes desta literatura e suas atmosferas. Assim, as experimentações através da etiud[1] - técnica usada para o desenvolvimento criativo e como uma maneira de estudar o papel por meio de uma ação física (KNEBEL, 2016) -, foram a mola propulsora de inventividade, elemento essencial para a construção de todas as cenas do espetáculo intitulado “Fricções”. PALAVRAS CHAVE Études, Atmosfera Cênica, Encenação, Inventividade. [1] Etiud, do polonês, termo com o mesmo significado de études, do Francês, significa estudos.
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INVENTIVIDADE E COMUNICAÇÃO: OS SIGNOS TEATRAIS NA CONCEPÇÃO DA ATMOSFERA CÊNICA
RESUMO Durante os desdobramentos da pandemia, o fazer teatral passou por processos novos, em novas possibilidades de realização, por causa das limitações sanitárias. O presente artigo pretende expor os resultados obtidos através da pesquisa “A Técnica de Inventividade por meio de Études e da Atmosfera Cênica: Na Revisitação da Literatura de Graciliano Ramos”, fruto do PIBIC/CNPq/UFAL, que experimentou a aplicação online do método de etiud, de Konstantin Stanislavsky, em um estudo sobre a Atmosfera Cênica, segundo Böhme (1993), e as decisões simbólicas da dramaturgia criada para tanto, pensando montagem virtual e presencial, numa adaptação da obra do escritor alagoano Graciliano Ramos. Foram aportes para os processos criativos tanto o método russo, como estudos conceituais sobre a arte do ator, direção teatral e processos criativos, com Ostrower (1996), resultando no espetáculo “Fricções”, que estreou como um produto audiovisual em outubro de 2021, e se desdobrou posteriormente para execução ao vivo. PALAVRAS CHAVE Atmosfera Cênica, Dramaturgia, Etiud, Graciliano Ramos, Semiótica
REFLEXÕES SOBRE ECOPERFORMANCE, PAISAGEM E CONTEMPLAÇÃO
Neste artigo propomos reflexões sobre a noção de ecoperformance, procurando identificar convergências e contribuições dos estudos da paisagem, das práticas contemplativas e dos serviços culturais ecossistêmicos. Iniciamos com uma breve revisão dos conceitos de paisagem e contemplação, circunscrevendo suas especificidades no contexto artístico das encenações e práticas do/a performer na cena contemporânea. A partir desse quadro teórico, realizamos relatos e reflexões sobre os processos de criação da ecoperformance “Visitação #2”, bem como sobre suas relações com os conceitos de paisagem, contemplação e serviços culturais ecossistêmicos. A obra foi produzida na represa do rio Jundiaí, zona rural de Mogi das Cruzes, durante a pandemia, e exibida no Festival Arte Como Respiro 2020 do Itaú Cultural. PALAVRAS-CHAVE Paisagem. Contemplação, Cultivo, Artes Performativas, Ecoperformance.